jueves, 26 de mayo de 2016
Nuevo cine mexicano
NUEVO CINE MEXICANO. NUEVO CINE DE ORO
Aquellos años, entre los acontecimientos lamentables que pusieron en duda la libertad en México y la capacidad de un gobierno para sacar adelante al país, como en el movimiento del 1968, y el estigmatizado cine de ficheras como un intento de hacer arte, surge un cine de calidad tal que merece el respeto de todos y que es llamado por algunos como la segunda época de oro del cine.Como una necesidad del gobierno por recuperar la confianza de la gente y tener una imagen comprometida con el progreso de México y la tolerancia para todos, surge el Nuevo cine mexicano, que se desarrolló principalmente en el sexenio de José López Portillo en el que estuvo como encargado del Banco nacional cinematografíco, Rodolfo López Pórtillo de los años de 1971 a 1976.
Tuvo como prioridad apoyar desde el estado a las mentes creativas con la idea de que esto dirá que en México la libertad de expresión se ejerce, ademas de significar un medio de dar cohesión a la sociedad y una forma de reconocimiento para México, con lo que siempre se mostró comprometido:
"Nadie y mucho menos el estado podria construirse en el ejecutor de una politica estetica destinada a conformar gustos o a dirigir el curso de la imaginación. El milagro de la creación no puede tener mas fuentes ni origen que la angustia y el talento de cada creador. Fuera de este ámbito hermético, el artista puede ver signos, señales, llamadas, pero nada más. Su arte es el resultado de un incesante juego dialéctico donde susceptibilidad y realidad predominan alternativamente."
El nuevo cine mexicano surgió con la voluntad de apoyar a los autores a hacer el cine que ellos mismos quisieran, recuperando una vez más los temas innovadores y tener presencia en cada muestra o festival a nivel nacional o internacional.
Se caracteriza porque logró superar los temas típicos y ya agotados del cine, dejaron el espíritu conservador, moralista e hipócrita. su riqueza está en reflejar la ambigüedad de lo real y salir de los roles desde la juventud hasta la familia o la autoridad.
Arturo Ripstein, Cazals, Leduc, Hermosillo y Fons fueron de los más representativos jóvenes directores que aún hoy en día tienen presencia para todos los nuevos cineastas. Durante todo el sexenio se fue evolucionando en plasmar la realidad y tratar distintas problemáticas sociales hasta llegar a películas de alto nivel como Canoa o El apando, si olvidar otro gran filme de Ripstein como El castillo de la pureza.
El deseo y compromiso con la realidad y la sociedad comprometió e impulsó en esta época hasta perderse lentamente con el tiempo hasta nuestros días, donde lo que mas importa es el marketing del México neoliberal.
Cine de luchadores
EL ENMASCARADO DE PLATA, EL SUPERHEROE DEL RING
El cine de luchadores, desde los años sesenta hasta la lenta decadencia del Santo, fue una bandera de creación mexicana que llegó hasta los rincones mas alejados del mundo, siendo un género puramente mexicano, presente hasta los años 80 entre el pueblo cuando el nuevo cine comenzó a surgir.
El Enmascarado de Plata fue la que sentó las bases para el desarrollo del género de luchadores en el cine mexicano. Con sus rostros ocultos detrás de máscaras, los protagonistas de las cintas de luchadores se convirtieron en campeones de la justicia, al más puro estilo de algunos super-héroes de los comics norteamericanos como El Fantasma (The Phantom), personaje enmascarado que luchaba infatigablemente contra el mal, creado por Lee Falk en la década de los treinta.
En sus aventuras, los enmascarados se enfrentaron por igual a psicópatas asesinos que a monstruos del espacio, maléficas hechiceras, gángsters internacionales, mujeres-vampiro, momias sedientas de venganza, científicos enloquecidos o contra todos a la vez, siempre buscando el triunfo de la ley y la justicia.
El anhelado debut cinematográfico de Santo ocurrió en 1958 con dos películas filmadas en Cuba y producidas por los hermanos Rodríguez: Santo contra el cerebro del mal y Santo contra hombres infernales. A pesar de la inmensa popularidad del personaje, los productores aún no creían que pudiese convertirse en un imán de taquilla, por lo que la realización de ambas cintas denota un enorme descuido y grandes dosis de improvisación. Como mera curiosidad, cabe señalar que el rodaje culminó un día antes de que Fidel Castro entrara en La Habana y declarase el triunfo de la Revolución.
Santo contra los zombies (1961) incorporó formalmente al Enmascarado de Plata al cine industrial mexicano. A partir de esta cinta, su carrera se caracterizó por la variedad de sus aventuras y la diversidad de escenarios en las que éstas se llevaron a cabo. En ese mismo año, Santo se alió con la Interpol en Santo contra el rey del crimen, resolvió delitos cometidos en zonas arqueológicas en Santo en el hotel de la muerte y se enfrentó, en un ambiente de western, al diabólico doctor Zuko en Santo contra el cerebro diabólico.
Al año siguiente, Santo lograría una singular e inesperada internacionalización gracias a la delirante cinta de horror camp titulada Santo vs. las mujeres vampiro. En la tradición del mejor cine gótico, el Enmascarado de Plata se enfrentó a las inquietantes vampiresas enmedio de un castillo en ruinas, telarañas y tumbas abiertas. Con la ayuda de sofisticadas herramientas -relojes intercomunicadores, videófonos futuristas y autos convertibles- Santo se convirtió en una especie de James Bond enmascarado, siempre listo para luchar por la justicia.
Santo en el museo de cera, su siguiente película, reforzó la nueva personalidad creada para el héroe enmascarado. Esta cinta, una de las más representativas de la primera etapa de la exitosísima carrera cinematográfica del Enmascarado de Plata, conjunta todos los elementos y situaciones que ayudaron a construir el mito del inolvidable héroe de la máscara plateada: su estrecha colaboración con la justicia, su capacidad para analizar situaciones riesgosas combinada con la fuerza necesaria para sortear los peligros, así como su habilidad para utilizar artefactos de "alta tecnología" que le permitían ir un paso adelante de sus adversarios.
De la primera etapa de la filmografía de Santo destacan las cintas en las que la lucha libre se combinó con el horror y la ciencia ficción: Santo vs. el estrangulador (1963), Atacan las brujas (1964), Profanadores de tumbas (1965), El barón Brákola (1965) y la delirante Santo, el Enmascarado de Plata vs. la invasión de los marcianos (1966), además de las ya mencionadas Santo vs. las mujeres vampiro (1962) y Santo en el museo de cera (1963).
Con Operación 67 y El tesoro de Moctezuma -filmadas simultáneamente en 1966 por René Cardona, Jr.- el color llegó a las películas de Santo, al mismo tiempo que se acentuó el suspenso de corte policíaco en sus tramas. En estas cintas, elSanto hizo mancuerna con el actor Jorge Rivero para desbaratar a una peligrosa banda internacional -con sede en Hong Kong- que intentaba, en la primera de ellas, inundar de dinero falso a un imaginario país latinoamericano y, en la segunda, robar el legendario tesoro del emperador azteca. El crítico e historiador Rafael Aviña hace notar que el ambiente alrededor de Santo se volvía más sofisticado:
A partir de este momento el Enmascarado de Plata ascendía en la escala social -recuérdese que lo mismo sucedió con los filmes de Mario Moreno "Cantinflas" y Pedro Infante-; contaba con un departamento de lujo, su laboratorio se modernizó y dejó las capas y las mallas por los sacos sport y los suéteres de cuello de tortuga, sin que falte su auto deportivo al estilo James Bond. Aviña, R. (1999). "Del cuadrilátero a la pantalla." El Santo, vida, obra y milagros. En SOMOS. México: Editorial Televisa, S. A. de C. V., p. 29.
En sus aventuras, Santo siempre estuvo rodeado de bellas y atrevidas mujeres. Algunas fueron temibles adversarias, como las misteriosas Lorena Velázquez y Ofelia Montesco de Santo vs. las mujeres vampiro o las inquietantes Maura Monti y Eva Norvind de Santo contra la invasión de los marcianos; otras, como la escultural Elizabeth Campbell de Operación 67 o la no menos imponente Amedée Chabot de El tesoro de Moctezuma, fueron conquistadas por la galanura del hombre de la máscara plateada. Otras más, como la singular Meche Carreño de El barón Brákola, llegaron a quitarse la ropa en versiones editadas "para público adulto" que se exhibieron fuera de México. Estas desinhibidas "versiones para exportación" de las aventuras del Santo fueron las que conquistaron los mercados de España, Francia y los Estados Unidos. De ellas, la más popular fue Santo en el tesoro de Drácula (1968) que en el extranjero fue conocida como El vampiro y el sexo.
Pero ni los desnudos ni el sexo sugerido fueron la causa de la enorme popularidad que alcanzaron las películas del Enmascarado de Plata en Líbano, Marruecos, Egipto y Turquía, países bastante conservadores. En Beirut y Estambul aún existen fanáticos del legendario luchador que afirman, con gran seriedad, que Santo era un superhéroe de origen árabe o turco. La fama de Santo en Turquía fue tan grande que llegaron a filmarse películas, como Los tres poderosos (3 Dev Adam)realizada en 1973, en las que su personaje fue interpretado por una estrella local, el actor Yavuz Selekman.
Para finales de los sesenta, la fórmula creada por las películas del Santo funcionaba perfectamente con todos los públicos y el enmascarado se daba el lujo de alternar el cine infantil de Santo contra Capulina (1968) con el porno-soft de Santo en la venganza de las mujeres vampiro (1970). La fama de Santo se extendía por todo el continente americano, Europa, Medio Oriente y el Pacífico Asiático.
Durante la siguiente década, las tramas de sus filmes oscilaron entre las intrigas policíacas de corte internacional -como Misión suicida (1971), Anónimo mortal (1972) o Santo en el misterio de la perla negra (1974)- y las fantasías terroríficas, al estilo de Las momias de Guanajuato (1970), Santo vs. la hija de Frankenstein (1971), Las bestias del terror (1972) o La venganza de La Llorona (1974). Esta etapa de la filmografía del Santo se caracterizó por sus rodajes en locaciones internacionales: Colombia, Ecuador, Puerto Rico, Haití y los Estados Unidos sirvieron de escenarios para sus aventuras.
La anhelada super-producción se presentó en 1973, cuando el Enmascarado de Plata rodó en España la que llegó a considerar su mejor película: Santo contra el doctor Muerte. Para esta cinta, cuya trama se desarrollaba en el siniestro mundo de los traficantes de arte, Santo contó con diez semanas de rodaje en lugar de las tradicionales tres o cuatro de sus producciones mexicanas.
El brillo de la máscara de plata comenzó a opacarse hacia 1978. Aunque la popularidad del Santo se mantenía vigente, los productores se desinteresaron de su atractivo taquillero al descubrir que el cine de ficheras y el cine fronterizo eran géneros más rentables. El tiempo también se puso en contra del Enmascarado de Plata, quien ya superaba los sesenta años de edad. Aún así, el héroe de mil batallas se dio tiempo para enfrentarse a unos cuantos villanos más y darle la alternativa a su vástago en Chanoc y el Hijo del Santo vs. los vampiros asesinos (1981) antes de realizar su última acrobacia fílmica en La furia de los karatecas (1982).
Tras el fallecimiento del Enmascarado de Plata, el cine de luchadores desapareció casi por completo. Las parodias, alusiones y homenajes se sucedieron sin que el género lograra "levantarse de la lona." En 1981, el director José Buil abordó al personaje desde una perspectiva ácida e irónica en su mediometraje Adiós, adiós ídolo mío, desatando el enojo de la familia del luchador y de sus seguidores incondicionales. Tiempo después, Buil se reivindicaría con parientes y admiradores del enmascarado al dirigir La leyenda de una máscara (1989), nostálgico homenaje al cine de luchadores y a la mítica figura del Santo.
miércoles, 25 de mayo de 2016
Principales películas transición 80’sy 90’s
La crisis del Cine comercial y el auge del cine artístico
La crisis del Cine comercial
y el auge del cine artístico
A
medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más grandes en forma,
y más escasas de contenido, había mas de donde escoger
Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial, cuya
principal factoría siguió siendo Estados Unidos, y el
cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo. Esto se
debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más
caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él
(fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en
parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos
comerciales como los manufacturados por Luc Besson (Nikita, El quinto elemento), por ejemplo. En
segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para
los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie
de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De
todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990,
se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos
especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de
las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo
de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch (Terciopelo azul, Twin Peaks), el
cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales
europeos.
Nuevas formas de observar Filmes y La llegada de los blockbuster
Nuevas formas de observar Filmes y La llegada de los blockbuster
Cuando horas de diversión estaban en un disco tan pequeño... ¡¿Qué mas se podría esperar?!
Marcado
en parte por los sucesos de la década de 1970 (Watergate, Vietnam, el
fin del movimiento hippie), el
cine de ese tiempo se había vuelto más oscuro, con filmes legendarios como El padrino, Apocalypse Now o Cabaret, por mencionar ejemplos concretos.
En cuanto a películas de simple entretenimiento, se pusieron de moda las de catástrofes, como
por ejemplo Aeropuerto y El coloso en llamas, con
el productor Irwin Allen
explotando el género hasta el agotamiento.
Sin
embargo, en 1977, el
cineasta George Lucas, con
su película La guerra de las galaxias,
cambió esto para siempre. Lucas hizo
un trato con Fox, que los ejecutivos del estudio consideraron muy ventajoso,
por el cual la Fox se llevaba las ganancias por la película, y Lucas por
la mercadotecnia; por
los resultados posteriores, mucho mejores para Lucas que
para la Fox, los estudios entendieron que las películas podían ser explotadas
económicamente de manera mucho más amplia que hasta la fecha. Surgió así el
concepto moderno de blockbuster, una
película que se vende como "estreno de la temporada", que supondrá un
gran golpe de taquilla, y que será el vehículo principal para la venta de una
extensa mercadotecnia, a través de la concesión de una franquicia sobre
la película y sus personajes, a jugueterías que venderán figuras con el
personaje, cadenas de comida rápida que harán promociones, etcétera. Algunos de
estas primeras películas explotadas con mayor o menor habilidad como modernos
blockbuster fueron Encuentros en la tercera fase de Steven Spielberg o Superman de Richard Donner; en 1981 George Lucas y Steven Spielberg
unieron fuerzas para una nueva franquicia, la de Indiana Jones.
El
concepto de la película como una franquicia desarrolló también el concepto de secuela.
Existían algunas previamente (El Padrino II, La novia de Frankenstein,
etcétera), e incluso una franquicia fílmica como James Bond había
acumulado la respetable cantidad de una decena de entregas, pero con secuelas
como Superman II, Rocky II o El Imperio contraataca, el
pensar las películas como eventos con posible continuación para explotar la
franquicia dejó de ser algo excepcional, para pasar a ser la norma. Por otro
lado el cine se hizo más liviano, perdiendo profundidad temática.
Vida nocturna
Cuando el sol se apaga y las luces brillan en la marquesina
El movimiento queer fue en los 80 el empuje preciso para la liberación, no sólo sexual, sino de la mente, la puerta a la expresión de los ideales y de la búsqueda de un lugar mas allá de lo underground, ahora que toda expresión de cultura se busca lugar, no se quiere quedar atrás.
Un ejemplo de ello es el Antro bar El nueve, que después de ser un restaurant donde toda persona de clase alta debia visitar, y ya siendo desde entonces un lugar lleno de misticismo, llegó a ser un lugar para todos los que lo necesitaban y el que diera paso a tantos que el día de hoy existen y para todo tipo de música
Entre travestis, gays, alcohol, drogas y rock, el bar contribuyó a la democratización de la cultura y las costumbres del país, lo hizo más plural, más tolerante, apunta en el prólogo.
“El Nueve fue el primer bar gay puesto en forma en la ciudad de México; un lugar en el que no era vergonzoso estar y en el que se gestó un movimiento cultural. En sus últimos años podías disfrutar deperformances, conciertos, exposiciones... todo un hervidero de ideas”.
-Guillermo Osorno
"Recuerdo perfectamente la primera vez que fui al disco bar Nueve, allá en la calle de Londres, en la Zona Rosa. Llegamos demasiado temprano, apenas abrieron las puertas subimos las escaleras a un lugar completamente vacío, que olía a pinol, o a uno de esos productos de limpieza. Acababan de trapear los pisos y los barmansse alistaban para atendernos detrás de la barra. Vimos a los músicos de Maldita Vecindad que estaban terminando de hacer su prueba de sonido, pues eran el grupo que se presentaba esa noche. Era un jueves.
Iba con Quique, mi hermano, y Betito Silva, quien fue el primer tecladista de Café Tacvba. Seguramente iba más gente con nosotros, pero no recuerdo bien quiénes. No sé por qué llegamos tan temprano, seguramente por inexpertos, por ingenuos: sentíamos que debíamos estar antes que los demás para no perdernos nada. Era la época en que todo sucedía antes de las 12 de la noche en la ciudad, al menos para nosotros. Vimos cómo el antro se iba llenando. Aunque El Nueve era un lugar gay, los jueves no lo parecía tanto. Ya había estado yo en otros lugares gays gracias a que mis hermanas mayores me llevaron; decían que la música era mucho mejor en esta clase de bares y discotecas. Tenían razón. Alrededor de la medianoche los Malditos subieron al escenario a tocar, vestidos como una mezcla de los Specials,Tin Tán y El jaibo, de Los olvidados. Aún no tenían disco y sonaban muy primitivos. Me encantaron."
-Joselo(2014, Crocknicas marcianas)
UNA NOCHE EN EL 9
LOS LUGARES DE LA LIBERACIÓN EN LOS 80
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